Dans ce billet, je vous parle des Passiflores. Certaines espèces sont connues sous un nom évocateur : le fruit de la passion. Ces fruits ont bien d’autres noms selon les espèces et les régions : grenadille, maracuja, pomme liane… Et les fleurs de passiflores sont aussi spectaculaires que leur fruit est bon. Deux fleurs de pomme-liane, Passiflora laurifolia, dans mon jardin en Martinique. Mais savez-vous d’où vient ce de nom de fruit de la passion ? D’après ma tata, son nom fait référence à la passion du Christ. Le mot passion viendrait du latin passio  signifiant souffrance. La fleur serait d'ailleurs chargée de signes allant dans ce sens : les 5 étamines feraient référence aux 5 plaies du Christ, le pistil symboliserait la croix du Christ ou les 3 clous, les 10 pétales représenteraient les 10 apôtres la couronne de filaments évoqueraient le couronne d'épines du Christ. Ç a fait un peu moins exotique tout de suite ! Rimèd razié Comme beaucoup d’autres plantes que j’affectionne, les passiflores auraient des vertus médicinales. Les feuilles de certaines espèces sont en effet utilisées pour leur action anxiolytique et sédative. Si vous voulez l'utiliser pour ses vertus médicinales, renseignez-vous d'abord sur les espèces et sur d'éventuelles contre-indications. J'ai utilisé la fleur de Passiflore dans une illustration que vous pouvez retrouver dans mon portoflio ou en cliquant sur la photo ci-dessous : Je suis Amandine Escarguel, illustratrice freelance. Vous aimeriez une illustration de fleur faite sur mesure et à la main ? Cliquez sur le bouton et découvrez comment nous pourrions la créer ensemble.

Encadrer une œuvre, ce n’est pas seulement lui offrir un toit ; c’est sublimer chaque coup de pinceau et chaque couleur. Vous avez craqué pour une aquarelle, ou on vous a offert un magnifique dessin d'insecte à l'encre et vous ne savez pas comme le mettre au mur ? Je vous propose ces quelques conseils pour utiliser passe-partout et cadre comme de véritables alliés et ne pas céder à la tentation de jeter votre œuvre dans le premier cadre de supermarché que vous avez sous la main! Le passe-partout Plus qu'un simple ornement Avant tout, le passe-partout n'est pas là que pour faire joli. Son premier rôle est d'empêcher, par le décalage qu'il crée, tout contact entre l’œuvre et la vitre de protection. Il s'agit d'éviter que le papier ne soit collé à la vitre ou encore l'apparition de moisissures indésirables sur l'illustration. Le passe-partout a ensuite pour fonction de guider l’œil jusqu'à l’œuvre en créant une transition entre elle et son environnement. Taille de la découpe : le juste équilibre Le passe-partout permet également de faciliter le montage et de dissimuler de petits défauts. En général, on choisi une découpe intérieure 0,5 à 1 cm plus petite que l'image afin de pouvoir la fixer derrière facilement mais sans masquer les détails. Par exemple, si votre image mesure 20 x 30 cm, la découpe intérieure devra faire 18 x 28 cm. Et si le passe-partout doit cacher le moins possible votre illustration, il peut cependant permettre de dissimuler les imperfections d'une image abîmée sur les bords, tâchée, pliée, déchirée ou écornée. Pensez à essayer une découpe intérieure d'une forme différente, par exemple ovale ou ronde pour une ambiance romantique. Tests de différents passe-partout dans une boutique d'encadrement. Vous devrez aussi choisir le format extérieur. La largeur du passe-partout peut tout changer. Un bord étroit ou très large aura un rendu esthétique différent . Pour des images plutôt petites, essayez un bord large si elle sont seules sur leur mur. Cela mettra en scène même les plus modestes croquis. Dans les magasins d'encadrement, vous pourrez trouver facilement des passe-partout tout prêts avec des dimensions standards pour la découpe intérieure et des formats extérieurs plus ou moins larges. Matière, couleurs et biseaux : l’art de la mise en valeur Le passe-partout a donc également une utilité artistique (ouf, on y vient) pour mettre en valeur votre jolie illustration. Pour ce faire il existe une grande variété de couleurs, de tailles et de matières. Prenez le temps de jouer avec les matières (papier, lin, coton, velours...) et les textures (lisse, matelassé...). Faites des tests pour trouver ce qui vous plaît. Un passe-partout inhabituel peut donner du caractère à l'ensemble, mais attention à ce qu'il ne prenne pas le pas sur votre œuvre ! Et si on veut mettre de la couleur ? Vous m'attendez un peu au tournant avec cette question, et ma réponse va peut être vous décevoir : il n'y a pas de règle précise ! C'est une question de goût personnel et d'harmonie avec l'endroit où vous installerez votre cadre. Cependant, pour vous aider à trouver une harmonie sans faire mille tests, voici quelques conseils couleur. Un passe-partout de couleur neutre est souvent une valeur sûre et évite les fautes de goût. Je parle de blanc cassé, gris clair, crème ou encore beige. Ces tons n'attirent pas l'attention sur eux-mêmes et laissent la place belle à l’œuvre et à ses couleurs. Pour aller un peu plus loin et sortir des couleurs neutres, vous pouvez choisir pour votre passe-partout une des couleurs secondaires de votre illustration . Celle d'un détail par exemple. Mais attention à ce que ce soit cohérent avec la couleur de votre mur. Pour "Orgueil de Chine", la cliente a choisi un passe-partout clair à biseau orange pour rappeler les fleurs. Enfin, vous pouvez opter pour un passe-partout clair avec un biseau coloré (fine ligne à l’intérieur du passe-partout) d'une couleur secondaire ou principale. Cela donnera une peu de lumière autour de votre illustration tout en faisant ressortir les détails. Un choix assez chic qui laisse la vedette à votre œuvre ! Astuce  : si vous aimez multiplier les cadres pour un effet galerie sur vos murs, limitez-vous à une ou deux couleurs de passe-partout. Cela vous évitera de tomber dans l'effet patchwork que nos mamies affectionnaient. Choisir le cadre idéal Pas de grosse surprise, le cadre va lui aussi servir à protéger l’œuvre et à la mettre en valeur. Là encore beaucoup de possibilités s'offrent à vous et il va falloir trouver l'accord idéal avec l'illustration, le passe-partout et votre mur ! Je vous entends d 'ici « Super, t'as pas quelques chose de plus compliqué encore ? ». Partons sur 3 aspects simples du cadre pour éviter de faire chauffer les méninges outre mesure. Style de moulure  Des cadres aux moulures grandiloquentes dans la cathédrale de Tolède. Tout est une question d'ambiance : classique et épuré pour un dessin à l'encre, moulure plus travaillée (baroque léger, bois sculpté) pour une aquarelle romantique. Mais toujours, faites attention à ce que le cadre ne vole pas la vedette au dessin . Idem pour l'épaisseur du cadre, soyez mesurés et faites des choix réfléchis en montant le dessin avec son cadre et son passe-partout avant d'investir. Un professionnel de l'encadrement sera de très bon conseil à ce niveau de choix ! Le cadre épuré en bois clair laisse ressortir de dessin à l'encre. Couleur du cadre Préférer un cadre d'une couleur secondaire qui contraste avec la couleur principale de l’œuvre. Associez-le avec avec un passe-partout neutre (s'il y a un biseau, prenez un cadre de la couleur du biseau par exemple). Dans le doute, un cadre neutre fonctionnera souvent. Par exemple, un cadre en bois naturel. Ici le cadre est fin et doré pour faire échos aux dorures à la feuille de l'illustration. Verre de protection Les magasins vous proposent différents types de « verre ».Optez pour un verre anti-UV qui protégera votre illustration des rayons du soleil et évitera aux couleurs de ternir. Un verre antireflets sera idéal pour les œuvres à forts contrastes car il éliminera les reflets de la lumière. Si vous avez besoin d'un ensemble léger, vous pouvez opter pour un verre synthétique. Mais attention, certains se déforment et jaunissent dans le temps (c'est le cas du verre en polystyrène). 🖋️ J'espère que ces quelques astuces et conseils vous aideront à bien encadrer vos illustrations. Si vous ne vous sentez pas capable de le faire ou que vous n'êtes pas sûr de vous, n'hésitez pas à vous rendre dans une boutique d'encadrement pour obtenir de l'aide et des conseils personnalisés. Je suis amandine Escarguel, illustratrice freelance. Vous souhaitez un devis pour une ou plusieurs illustrations sur-mesure ? Contactez-moi via le formulaire (qui à l'avantage de comporter déjà plusieurs questions) en cliquant sur le bouton . Je reviendrai vers vous pour affiner votre demande et produire le devis adapté.

En pleine observation sous le goyavier du jardin. En tant qu'illustratrice, puiser mon inspiration dans la nature est une véritable bouffée d'oxygène et nourrit ma pratique. C'est une ressource accessible et inépuisable de formes, de textures et de couleurs que je peux exploiter. Cette inspiration nature est aussi un atout pour les marques ou les projets qu i cherchent à se connecter aux inquiétudes actuelles liées à l'environnement, à illustrer des valeurs d'écoresponsabilité ou encore à créer une atmosphère autour de leur marque ou de leur message. Je vous propose dans cet article de mettre en avant quelques-uns de ces avantages dans la communication visuelle. Des couleurs qui parlent Vous connaissez la psychologie des couleurs  ? C'est l'étude de l'impact des couleurs sur l'humain, les émotions et les sentiments qu'elles vont générer. Bien sûr, la signification des couleurs ou les sensations qu'elles procurent dépendent de l'expérience personnelle et de la culture de chacun ; leur interprétation n'est pas universelle. L'utilisation des couleurs doit donc être adaptée au public ciblé. Zoom sur les significations de 2 couleurs ultra nature dans la culture occidentale : le vert  : c'est LA couleur de la nature et de la végétation. Il offre une sensation de fraîcheur, de relaxation et inspire la générosité, la confiance, et la sécurité. Le vert nous parle aussi de succès et de croissance, de guérison et de bonne santé. le bleu  : cette couleur représente la planète Terre. Le bleu symbolise la relaxation, la sérénité, la sympathie, le silence et la confiance. Il est aussi associé à la connaissance, la vérité, la pureté, la loyauté. Un nuancier des verts de ma boite d'aquarelle. Le vert tendre d'une feuille ou le bleu clair d'un ciel de printemps participent à faire naître une atmosphère de calme et de sérénité. Ils créent une ambiance qui va guider le public vers un sentiment de bien-être et de confiance. Il n'est donc pas surprenant de retrouver le vert dans le domaine de la santé en publicité et en marketing, sur des emballages de médicaments ou des produits issus de l'agriculture biologique par exemple. Le bleu quant à lui apparaîtra facilement sur des produits liés à la propreté ou pour illustrer la confiance que l'on peut avoir dans un produit technologique. Mouvement et toucher visuel Il est assez aisé pour transmettre un sentiment de sérénité d'utiliser une illustration d'océan calme ou un motif comme la plume par exemple. La représentation d'un élément naturel est concrète, reconnaissable, et fait appel à un souvenir ou à une expérience de manière assez directe. On peut facilement utiliser un paysage ou intégrer des motifs botaniques, mais il y a d'autres façons plus subtiles d'introduire la nature dans ses visuels et d'en tirer des bénéfices. Les courbes gracieuses des fougères contrastent avec les feuilles découpées. Parlons d'abord des formes. La courbe de la veine d'une feuille, le profil découpé d'une fougère ou encore les ondulations de l'eau apportent du dynamisme . Ils viennent s'opposer à la rigidité de formes géométriques parfaites et suggèrent le mouvement. Ils peuvent soutenir l'idée d'évolution ou de croissance naturelle dans un message. Les textures ne doivent pas être laissées de côté car elles ont, elles aussi, un gros potentiel. La représentation de textures naturelles telles que l'écorce d'un arbre, la terre craquelée ou la surface de l'eau fripée par la brise, enrichit le toucher visuel . Le cerveau humain, en reconnaissant visuellement le motif d'une écorce ou d'une pierre, anticipe la sensation associée à son toucher (c'est froid, c'est rugueux, c'est doux). C'est intéressant car cela va renforcer l'immersion en évoquant le contact avec la nature. Ces textures peuvent aussi suggérer un travail artisanal et transmettre une idée d' authenticité et de sincérité. Sentez-vous les crêtes et les crevasses sous la pulpe des doigts, l'écorce qui cède un peu sous la pression et qui rebondit légèrement ? Valeurs écoresponsables Intégrer des références visuelles à la nature exprime un engagement pour la protection de l’environnement et soutient une stratégie de marque en illustrant ses valeurs. C’est un levier puissant pour les marques qui souhaitent afficher leur responsabilité environnementale. Mais attention à ne pas tomber dans le travers du greenwashing  ! Verdir sa marque sans réel engagement environnemental, ou pour détourner l'attention, peut être très pénalisant : perte de la confiance de ses clients, amende, bad buzz, réputation ternie et même boycott (vous, les enseignes de fast fashion et les fournisseurs d'énergie, on vous voit). Intemporalité et universalité Les références à la nature sont compréhensibles et appréciées par tous, sans barrière culturelle ou presque, elles traversent les tendances passagères et confèrent un caractère intemporel. 🌿 Pour conclure, s'inspirer de la nature, c’est offrir à vos visuels une authenticité et une fraîcheur qui résonnent directement avec votre audience. Entre palettes apaisantes, motifs organiques et textures sensorielles, chacun de vos supports devient une invitation à la découverte et au bien-être, dans le prolongement de vos valeurs. Je suis amandine Escarguel, illustratrice freelance. Vous souhaitez donner à votre communication ce petit grain de folie verte, n’hésitez pas à me contacter pour collaborer sur votre prochain projet ; je me ferai un plaisir de transformer vos idées en illustrations qui respirent la nature. Cliquez sur le bouton et découvrez comment nous pourrions créer votre illustration sur mesure.

Vous avez besoin d'une illustration et souhaitez recourir aux services d'un illustrateur professionnel ? C'est le meilleure idée que vous puissiez avoir (en toute objectivité évidemment). Oui mais voilà, quelles informations lui faut-il pour deviser ce besoin et produire votre commande ? Et bien sachez que vous avez un tout petit peu de travail de préparation pour gagner du temps lors de la prestation, éviter les malentendus et obtenir un résultat fidèle à vos attentes. Je vous présente ci-dessous les éléments clés à expliciter dans votre brief créatif, c'est à dire la feuille de route où vous me donnez vos directives. Cet article est plutôt destiné aux professionnels, mais si vous êtes un particulier, vous pouvez tout à fait réfléchir à votre projet en utilisant les points qui suivent. Simplement, certains ne s'appliqueront pas à votre cas. Objectif du projet et de l'illustration L'illustration entre dans le cadre d'un projet dont vous devez pouvoir expliquer le but principal . Est ce pour passer un message, augmenter votre notoriété, alerter, sensibiliser à une cause, vendre un nouveau produit ? Au sein de ce projet, quel sera l' objectif de l'illustration  en elle-même : attirer l’œil, purement esthétique, représenter fidèlement un élément ? La définition clair des objectifs guidera certaines décisions créatives. Cible, audience Communiquer auprès de jeunes enfants ou de motards soixantenaires ne se fait pas de la même façon. Décrivez le public visé  : âge, sexe, profession, comportements, centres d'intérêt, etc. Cela me permettra d'adapter l'illustration en accord avec mon style. Positionnement, ton, valeurs et message clé Donnez des indications sur le ton de votre communication (sérieux, décalé, éducatif, accessible, zen, dynamique, humoristique...) et vos valeurs fondamentales (environnementales, éthiques...). Quel est le message à faire passer : une promesse, un bénéfice, une émotion, une alerte ? Tout cela aidera à aligner le style graphique et rédactionnel. Différentes utilisations possibles de l'illustration Essayer d'envisager à l'avance toutes les utilisations que vous souhaitez faire ou que vous allez pouvoir faire de cette illustration en termes de supports mais aussi dans le temps  . Est-ce pour un usage unique ? Ou souhaitez vous pouvoir l'utiliser à volonté au besoin ? Sur quels supports sera t-elle apposée : site web, plaquette de présentation de votre entreprise, flyer de sensibilisation, magazine grand public distribué en kiosque, réseaux sociaux, etc. Dans le cas de supports papier, à combien d'exemplaires seront-ils édités ? Combien de temps durera leur utilisation ? Pendant une campagne événementielle one shot, sur quelques mois, sur des supports pérennes pendant des dizaines d'années ? A quelle échelle géographique seront il diffusés ? Régionale, nationale, internationale, en interne à votre entreprise ? Ces informations me serviront à calculer au plus juste la cession de droits d'auteur mais aussi à m'assurer de la compatibilité du fichier et du visuel sur les différents supports et à définir la résolution adaptée. Contraintes techniques et légales Y a t il des contraintes à respecter ou des éléments obligatoires ? Quel seront les dimensions de l'illustration ? Son positionnement sur votre support est il déjà défini ? Par exemple : vous avez besoin d'une illustration pour un article de magazine mais l'illustration ne fera que 3 à 5 cm et sera en filigrane derrière le texte. Cette information peut me permettre d'ajuster le niveau de détails et le placement optimal des éléments du visuel. Y a t il une technique artistique que vous souhaitez absolument (en accord avec celles que je pratique) ? Aquarelle seule, aquarelle et fineliner, crayon graphite... Une gamme de couleurs est elle imposée, et plus largement, y a t il une charte graphique à respecter ? Existe t il des obligations ou normes légales spécifiques à votre secteur que je dois connaître et respecter ? Quel sera le format du livrable  ? Vous souhaitez un fichier jpeg, psd, pdf, destiné à un imprimeur ? Vous voulez l'original ? Vous souhaitez les fichiers de travail incluant les calques ? Si cela ne vous parle pas, je pourrais vous aider à définir le ou les fichiers adaptés à votre utilisation. Deadline Avez-vous des contraintes de planning  ? Est-ce un besoin urgent ? Le travail d'illustration est constitué de plusieurs phases qui prennent du temps. La première phase consiste en une recherche iconographique pour affiner votre idée et réaliser des croquis. Cette phase prend à elle seule plusieurs jours mais est essentielle pour obtenir un résultat fidèle à vos attentes. Il peut ensuite y avoir plusieurs aller-retour entre nous pour ajuster certains éléments. Ayez en tête que, toutes légitimes qu'elles soient, plus il y a de demandes de modification plus le délais de production est allongé. Il est possible également que je travaille déjà sur d'autres projets au moment de votre demande. Ainsi, je peux ne pas être disponible instantanément à chacun de vos messages. En comprenant vos impératifs j'adapterai mon planning. Il est préférable de prévoir un planning afin de respecter vos délais et de préserver la qualité de mon travail. Cela assure une prestation fluide et un livrable qualitatif. Budget prévu Quelle partie du budget de votre projet est allouée à l'illustration ? Même un fourchette approximative sera utile pour proposer des solutions réalistes et adaptées à vos moyens, sans compromettre la qualité du travail. Vous avez un budget riquiqui ? N'hésitez pas à l'annoncer dès le premier échange. Peut-être est il possible de commander un peu moins d'illustrations que prévu, ou de limiter le nombre de supports sur lesquelles elles apparaitront ? Dans tous les cas, nous chercherons ensemble une solution afin de protéger la qualité du travail et de satisfaire votre besoin. Références Dans un premier temps, jeter un œil à mon portfolio  pour vous assurer que mon style vous convient. Puis, montrez-moi ce que vous aimez et n'aimez pas, que ce soit dans mon portfolio ou venant d'autre supports. Il s'agit là d'éviter les malentendus et de donner la direction artistique. Vous l'avez compris, préparer sa commande en amont et délivrer un brief créatif détaillé et précis à l'illustrateur freelance est donc essentiel pour le bon déroulement de la prestation et l'obtention du résultat souhaité. Pas de panique face à cette longue liste d'éléments. Lors de notre premier entretien, je vous guiderai pour obtenir les informations nécessaires que vous n'auriez pas déjà évoquées. Mais il est important que vous ayez déjà en tête les différents aspects de votre projet. FAQ Je suis Amandine Escarguel, illustratrice freelance. Vous souhaitez un devis pour une ou plusieurs illustrations sur-mesure ? Contactez-moi via le formulaire (qui à l'avantage de comporter déjà plusieurs questions) en cliquant sur le bouton . Je reviendrai vers vous pour affiner votre demande et produire le devis adapté.

Le tarif de mes illustrations sur-mesure est constitué de 2 éléments : la production du visuel + la cession de droits d'auteur. Chaque devis est unique puisque : le coût de production tient compte de plusieurs éléments le format (A5, A4, A3...), l'urgence du projet, le nombre d'illustrations à produire, la complexité du projet, de la difficulté technique et des techniques employées, le temps de travail. la cession de droits dépend : de la durée d'utilisation, d'un pourcentage sur les ventes pour un projet d'édition ou la vente d'un produit, du support de diffusion (web, livre, magazine...), de l'étendue de la zone géographique d'exploitation (internationale, régionale, corporate...), du nombre d'exemplaires imprimés (flyers, magazines...). Sauf cas particulier défini avec vous, l' exclusivité  est incluse dans le tarif des illustrations sur-mesure. Après coup, si vous souhaitez étendre la cession de droit , par exemple pour utiliser l'illustration plus longtemps, ou sur des supports qui n'étaient pas prévus, il est possible d'éditer un nouveau devis. Il  est aussi possible d'acquérir des droits d'exploitation à titre non exclusif . Cela signifie que l'illustrateur ne vous facture pas le coût de production de l'illustration mais seulement les droits d'exploitation convenus. En contrepartie, l'illustrateur peut vendre les droits d'exploitation à d'autres clients que vous, vous ne serez donc pas le seul à les utiliser. FAQ Qu'est ce que la cession de droits d'auteurs et pourquoi dois-je la payer ? Je vous propose ici une brève présentation simplifiée du droit d'auteur (car il peut être complexe à interpréter) afin que vous compreniez globalement de quoi il s'agit. Mais sachez avant tout qu'un contrat est conclut entre vous et moi lors de chaque vente et qu'il explicite l'étendue de la cession. Chaque contrat est différent selon les besoins du client. Lorsqu'une personne crée une œuvre, elle en possède instantanément les droits moraux et patrimoniaux. Les droits moraux  sont inaliénables, ils ne peuvent pas être cédés . Il s'agit du respect de l'œuvre, du nom de son créateur et de sa qualité. Par ces droits, l'auteur a seul le droit de divulguer son œuvre par le procédé qui lui convient. Ce droit lui confère également la possibilité de retrait vis à vis d'un éventuel cessionnaire. Cela signifie que l'auteur peut changer d'avis et peut se rétracter après la vente des droits d'exploitation sous certaines conditions et s'il estime que vous n'utilisez pas correctement l'œuvre (associée à des propos raciste, ou calomnieux par exemple). En résumé, cela signifie que chaque œuvre que je produit, quels que soient les droits que j'aurais cédés dessus, m'appartient, et ce jusqu'à 70 après ma mort. Les droits patrimoniaux , aussi appelés droits d'exploitation ou licence, comprennent plusieurs éléments qui peuvent être cédés en tout ou partie, de manière gratuite ou payante, indépendamment les uns des autres. Il s'agit : du droit de représentation : c'est à dire la communication de l'œuvre au public par un procédé quelconque (lors d'une exposition par exemple), du droit de reproduction : qui est la fixation matérielle de l'œuvre, par tous procédés qui permettent sa communication au public d'une manière indirecte (imprimerie, photographie, dessin...). Le contrat de cession limite les modes d'exploitation de ces droits, les utilisations que vous pouvez en faire (étendue géographique, nombre d'exemplaires, type de support, etc.) comme vu plus haut dans le détail d'un devis. En gros, si je vous cède des droits pour une utilisation dans un article de magazine donné, vous ne pouvez pas l'utiliser dans un autre magazine, ou sur un flyer par exemple. Toute représentation intégrale ou partielle faite sans le consentement de l'auteur est illicite . Cela inclut son adaptation, sa transformation, son arrangement, et sa reproduction. Comment se déroule la prestation Je suis Amandine Escarguel, illustratrice freelance. Vous souhaitez un devis pour acquérir des droits d'exploitation sur une de mes illustrations ? Cliquez sur le bouton pour m'adresser votre demande. Je reviendrai vers vous pour vous indiquer si l'illustration est sous exclusivité ou non.

Pour ce deuxième billet d'inspiration, jetons un œil à un insecte au profil reconnaissable et que j'ai beaucoup aimé dessiner. Il s'agit de la guêpe maçonne , Delta unguiculatum . Un croquis préparatoire fait à l'encre pour mon aquarelle "magnolia". Portrait Cette grande guêpe de 20 à 25 mm a donc une taille très marquée qui contraste avec un thorax assez proéminent . Elle est présente dans la moitié sud de l'Europe et au Moyen-Orient. On peut l'observer de juin à août sur les fleurs de fenouil dont elle butine le nectar. Une version à l'aquarelle et à l'encre dans un style biomécanique. Delta unguiculata , apportant une boulette de mortier sur son nid. ©Pancrat CC BY-SA 3.0 Vous avez dit maçonne ? Oui, maçonne, car en période de reproduction, elle construit un nid en mortier fait de boue et de sable, le long des murs. Le nid est constitué de cellules dans lesquelles la femelle dispose un œuf. Avant de sceller l'ouverture du nid, elle y glisse aussi une chenille de papillon qui sera dévorée par ses petits. Elle n'est pas dangereuse pour l'Homme, mais si vous venez trop près de son nid, elle vous piquera. J'ai travaillé sur la guêpe maçonne dans l'aquarelle "magnolia" que vous pouvez retrouver dans mon portfolio ou en cliquant sur la photo ci-dessous : Mon œuvre "magnolia" à l'aquarelle et à l'encre. Je suis Amandine Escarguel, illustratrice freelance. Vous aimeriez une illustration comportant un insecte faite sur mesure et à la main ? Cliquez sur le bouton et découvrez comment nous pourrions la créer ensemble.

Je suis illustratrice et j’avais envie d’un espace où vous proposer des contenus diversifiés autour du dessin. Donc, bienvenue sur mon blog ! Sur ces pages, vous trouverez des articles courts sur des sujets de fond qui touchent à l’illustration, des contenus diversifiés inspirants, des actus sur certains projets et événements. S’il y a des thèmes que vous aimeriez voir abordés ici, ne vous retenez pas, partagez-les en commentaire. Si vous voulez être tenus informés de ce qui se passe par ici, inscrivez-vous à ma newsletter . En plus d’être au courant des nouveaux articles du blog, une surprise réservée aux abonnés sera offerte dans chaque envoi. à bientôt Amandine

Dans un monde dominé par le digital, le dessin traditionnel a-t-il encore sa place ? Je dirais non seulement qu'il l'a, mais qu'il possède de véritables super-pouvoirs ! Authenticité, sensations, émotions, partage, image de marque : que vous soyez amateur d'art, artiste ou entreprise cherchant à se démarquer, le dessin à la main a encore tant à offrir. Authenticité et unicité L'objet du dessin traditionnel est qu'il est réalisé à la main. "Elémentaire mon cher Watson" me direz-vous ! Oui mais voilà, cela induit son lot d' imperfections subtiles , témoin d'un travail artisanal. Chaque œuvre est unique et contient des détails impossibles à reproduire à l'identique. Entendons-nous, je ne parle pas ici de reprographie, mais de ne pas pouvoir reproduire à la main exactement la même œuvre (il y a des faussaires dans la salle ?). Chaque trait transmet l'énergie de l'auteur à un instant T. Avoir un original chez soit, c'est posséder un bout d'une histoire. Utiliser un dessin fait à la main en marketing et en communication, c'est bénéficier de cette touche d'authenticité de plus en plus recherchée par les clients. Zoom sur une de mes œuvres de 2023 où l'on peut observer le "trait du jour" qui ne se voulait pas lisse ! Connexion émotionnelle Je suis en train de peindre mon œuvre "Magnolia". Le trait qui n'est pas parfaitement droit, soumit à la texture du support sous la mine et à la main de l'artiste qui tremble imperceptiblement, les variations naturelles des couleurs dans une aquarelle, sont des exemples des éléments authentiques qui captivent et créent une connexion émotionnelle forte avec le public en suggérant la présence d'un autre être humain derrière l'œuvre : l'artiste. Une illustration traditionnelle qui suscite des émotions peut aider une entreprise à transmettre des valeurs plus humaines et à établir un lien personnel avec le public. Expérience sensorielle L'artiste, en herbe ou professionnel, entre en contact avec des matériaux nobles. Tactile : il touche le papier, sent son grain sous la mine des crayons, il ressent la peinture glisser sur la toile. Visuel : il s'immerge dans une infinité de couleurs et de nuances. Auditif : il reconnait le bruit du frottement de la mine de crayon sur la surface du papier. Olfactif : il sent l'encre de ses feutres, l'odeur de l'huile, des différents medium. Produire une illustration traditionnelle, c'est un voyage sensoriel. Mais ça l'est aussi pour l'acquéreur de l'original qui profitera d'une partie du voyage en pouvant toucher la toile (ou pas), sentir son poids, apprécier les couleurs qui changent selon la luminosité de la journée. Ma boite de crayon de couleurs : les fabuleux Polychromos de Faber-Catell. Mise sur pause A une époque où tout va très vite, l'illustration traditionnelle invite à ralentir , à prendre le temps d'observer et d'apprécier la beauté et la maîtrise des techniques classiques, à redécouvrir le plaisir du travail manuel et le temps qu'il faut pour produire une œuvre. Un dessin fait à la main va attirer l'attention en poussant le public à l'observer plus en détail. L'observateur se souviendra un peu mieux du message ou de la marque associé à un visuel qu'il a pris le temps de regarder attentivement. Caractère précieux Un dessin ou une peinture traditionnelle est plus facilement perçu comme précieux car sa confection a demandé du temps à l'artiste, de la patience et une certaine dose de maîtrise technique. Une illustration traditionnelle est intrinsèquement rare et peut véhiculer une image luxueuse conférée par son caractère unique, la valeur du temps passé, la préciosité du matériel utilisé. Intemporalité Enfin, je suis persuadée que l'illustration traditionnelle est intemporelle. Elle s'inscrit dans une tradition artistique séculaire tout en s'adaptant invariablement aux époques. Une peinture est un morceau d'une histoire, d'une culture, d'une personne, quelles qu'elles soient ; elle ne peut pas se démoder . Accroché à votre mur ou sur des supports de communication, elle crée une bulle intemporelle, lien entre tradition et modernité. ✍️ Et vous, quel est selon vous le plus grand atout du dessin traditionnel ? Partagez vos réflexions en commentaire ! Je suis amandine Escarguel, illustratrice freelance. Vous êtes séduits par les super-pouvoirs de l'illustration traditionnelle ? Cliquez sur le bouton et découvrez comment nous pourrions créer votre illustration sur mesure.

Si vous avez jeté un œil au reste de mon site internet , vous avez compris mon intérêt pour la nature, en tant qu'illustratrice et observatrice. J'avais envie de vous parler ici de quelques espèces que j'aime observer et croquer (parfois dans tous les sens du terme). Voici l 'Alpinia zerumbet , une de mes plantes antillaises préférées, parce que derrière sa beauté se cachent de nombreuses vertus. Elle est appelée atoumo en créole antillais, contraction de "à tous maux". C'est dire les vertus qu'on lui accorde ! croquis à l'encre et crayons de couleurs Rimèd razié croquis à l'encre d'une fleur d'atoumo Elle fait donc partie des plantes médicinales du jardin créole pour guérir de nombreux maux (on appelle ces plantes les rimèd razié  en Martinique) ; on exploite presque toutes les parties de la plante - fleurs, feuilles et racines - pour leurs vertus antigrippales , fébrifuges, sédatives, digestives et antiulcéreuses, entre autres. Les fleurs sont préparées en tisanes tandis que l'on fait des décoctions avec les feuilles et les rhizomes. Si vous voulez l'utiliser pour ses vertus médicinales, renseignez-vous d'abord sur d'éventuelles contre-indications et sur les dosages. En cuisine On l'apprécie aussi en cuisine pour ses saveurs de rose, de gingembre et de camphre. Le sirop de fleurs fait des merveilles sur les desserts ou pour laquer des poissons. Les fleurs entrent aussi dans la composition de jus ou de thés glacés à déguster pour le plaisir. Les feuilles sont utilisées pour faire des papillotes ! inflorescence d'Atoumo dans mon jardin Ornementale Les fleurs, regroupées par dizaines en inflorescences en forme de grappes retombantes , déclinent des nuances d'un délicat rose porcelaine jusqu'au rouge profond, en passant par le jaune et l'orange. Les longues feuilles dégagent une odeur de rose très prononcée et les tiges forment un bosquet qui peut monter jusqu'à 3 m de hauteur. J'ai utilisé l'Atoumo dans plusieurs illustrations que vous pouvez retrouver dans mon portoflio ou en cliquant sur les photos ci-dessous : L'illustration "Atoumo" fait partie de mon projet "Harmonie tropicale" Mon illustration "Baleine en atoumo" Je suis Amandine Escarguel, illustratrice freelance. Vous aimeriez une illustration de fleur faite sur mesure et à la main ? Cliquez sur le bouton et découvrez comment nous pourrions la créer ensemble.